編輯—薛景文、攝影—Fangyu Cho

Yellow Nose Studio由兩位建築背景的臺灣設計師何欣穎、董凱銘組成，2017年起以柏林為基地，踩著慢生活的步調，將納入手工溫度的物件鋪展於創作之路。他們說：「溫度就是Yellow Nose的特質。」捏塑陶件的痕跡，雕塑家具的工法，種種構成微小差異的細節，為他們的每件作品帶來獨特的個性。

「根植於情感體驗，創作過程在理性與感性、自我與自然之間靈活流動。」——東京指標性的當代家具藝廊Licht Gallery，如此形容Yellow Nose Studio。

今年（2025年）六月，東京剛迎來初夏，他們在Licht Gallery展出「INDERGARTEN: A Second Field」——工作室近年最著名的幾何積木家具系列，搭配特製邊桌、新尺寸椅件一同登場，「那應該是我們在東京展覽裡最好的一次經驗之一。」為期兩週的展出，時隔三個月後談起，欣穎和凱銘默契地相視而笑。

木作家具的趣味，抵達日本藏家的視野

其實Licht Gallery的老闆，先前便以私人名義買過他們的椅子，後來才透過共同朋友引介，雙方正式認識並接洽合作。欣穎分享，之所以下意識形容為「最好的經驗」，是因為藝廊方從展覽企畫到執行，細緻照顧每一個環節：作品運送、現場安排，甚至重新編寫了介紹文本，替Yellow Nose Studio找到最貼近的日文和英文語境。在木作家具盛行的日本，富有不規則趣味的「INDERGARTEN」系列格外吸引目光。展覽初期，欣穎和凱銘幾乎天天到現場，日本觀展者的反應令他們印象深刻，「大家非常專注在作品本身，還有人回饋『原來木頭可以這麼好玩』。」凱銘說道。許多設計藏家直接從形體、材質、工藝面切問，交流更深入後，才逐漸對他們的文化背景或柏林生活感到好奇。這個過程令他們倍感踏實，「從物件出發，再慢慢觸及故事，是我們心中最理想的路徑。」

感受「好玩」之於創作的重要

攤開Yellow Nose Studio的品牌歷程，八年的成長軌跡裡，他們記得每一次轉折。起初剛於柏林辦個展，寄出一百封邀請函給藝廊和媒體，最後來的只有朋友。2018年參加巴黎家飾展《Maison & Objet》，大膽將黑色陶盤置入黑色展檯，成為商業展中的藝術亮點，順勢迎來第一篇報導。2019年前往比利時收藏展「Collectible Fair」，白色陶盤與淺黃展櫃椅件的搭配組合，受到更多媒體和藏家關注。接續是突如其來的疫情，世界暫停，後有女兒誕生，生活被重新排列，創作心境卻更開闊了。「女兒小時候會在工作室玩，我們發現她玩材料的方法很棒，也從那一年開始意識到做設計要去感受好玩，才能玩出想要創作的東西。」欣穎斟酌地說。受女兒啟發的「INDERGARTEN」系列問世前，他們常過度思考作品「是否像Yellow Nose Studio？」即便品牌需要一定脈絡，但太在意貫徹風格反倒成為限制。

有了心境的轉變，加上兩人總在創作過程相互辯證，Yellow Nose Studio長出更有餘裕的面貌。「INDERGARTEN」系列每張椅子誕生前，他們會各做十個小模型，再交換讓對方拆解，凱銘傾向細究材料，極致鑽研技法；欣穎則擅長從遠觀視角，思考物件整體搭配、融入空間的畫面。他們笑說，過程有時會吵起架來，但從中磨合的共識是真實且珍貴的。相較於花時間在電腦繪圖，他們更願意親手實驗，「我們想做的設計，是使用者收到和使用時，能感受到背後心意。」如今收藏他們作品的客人，有的將其作為居家展示，有的作為日用物件；這份交付使用者定義的自由，延展為作品與生活相呼應的有機特質。

持續提問——物件與空間的關係⋯⋯？

隨著Yellow Nose Studio在國際間關注度提升，展覽邀約、媒體採訪與訂製委託持續而來，他們開始思考：維持手作理念之餘，更有效率的創作途徑會是什麼？欣穎談及藏身在臺北藝文展場「朋丁」內的Pharos Coffee，陳列著他們設計的桌椅，製程是由他們提設計框架，再由臺灣工匠以在地材料完成。這般形式讓作品更靈活落地，也回應了他們在不同地域與文化中，尋找平衡的初衷。「希望未來這個模式有更多嘗試的機會！」

或許這正是Yellow Nose Studio最獨特的力量，在他們的作品語彙中，物件與空間的關係，還有物件本身的定義，都是自由、可塑的；關於平衡，則繼續交由各式各樣的生活場景來驗證。